12 кращих картин Клода Моне

*Огляд найкращих на думку редакції expertology.ru. Про критерії відбору. Даний матеріал має суб'єктивний характер, не є рекламою і не служить керівництвом до покупки. Перед покупкою потрібна консультація з фахівцем.

Поціновувач живої природи, знаменитий творець нового, неймовірно популярного напрямку живопису – імпресіонізму – Клод Моне сьогодні вважається критиками символом своєї епохи. Хто б міг подумати, що маленький карикатурист вплине на художників усього світу, створивши цілу плеяду чудових полотен з унікальною, неймовірно яскравою кольоровою гамою, через яку в пору невідомості автора ходили чутки про його безумство. До вашої уваги одні з найкращих картин великого майстра – найвідоміші твори пензля французького імпресіоніста.

Слідами великого імпресіоніста: топ-12 шедеврів французького генія Клода Моне

"Сан-Джорджо Маджоре в сутінках", 1908-1912 роки

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Одна з найвідоміших і найзначніших картин у творчості великого імпресіоніста.Помаранчеві, що переважають у сюжеті тони – саме з такими відтінками у художника асоціювався занепад італійського міста. На барвистому фоні яскраво виділяються Венеціанський собор і вода, звісно, ​​вода.

Сам майстер зазначав, що картина сутінкового міста виконана нестандартним для нього чином: ідея полотна була настільки вражаюче красивою і чарівною, що художник працював несамовито, буквально наступаючи на п'яти сонцю, що рухалося до заходу сонця, і його водяним відблиском. У своїй роботі Моне використав драматичні кольорові контрасти, що додало картині більшої глибини та яскравості.

Оскільки ідея була надихнута практично миттю, Моне застосував техніку коротких штрихів та швидкого заповнення полотна пастою. Так йому вдалося вмить захопити колірний момент і точно передати гру світла. Головним завданням своїх робіт автор бачив не передачу глядачеві морального посилу або глибокого смислового навантаження, а створення чуттєвого враження, пробудження приємних відчуттів, імпресії, не дарма ж Моне – один із найяскравіших представників імпресіонізму.

"Дама в зеленій сукні" (Камілла), 1866 рік

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

На портреті зображено дружину великого імпресіоніста - Камілла Донсьє в той момент, коли вона ще не була ні дружиною, ні навіть нареченою. Клод і Камілла тоді тільки познайомилися, і після однієї з таких зустрічей Моне вирішив передати на полотні те яскраве відчуття між молодими людьми. На картині «Дама в зеленій сукні» художнику вдалося зафіксувати трепетний момент, коли дівчина, яка стояла практично біля виходу, обернулася.

Моне не став витрачати сили на промальовування заднього плану: всі свої вміння він зосередив на самій Каміллі – ретельно деталізував її обличчя, вигин шиї, вираз обличчя, навіть легкий рух рукою, любовно промалював її сукню та кожушок. У картині не можна помітити легкості чи чогось неземного: художник постарався показати дівчину справжньою, живою. Моне не потрібен був еталонний ідеал: сукня виглядає важким, здається, що вона важко тягнеться по підлозі - це говорить про те, що вона зроблена з важкої тканини.

Моне писав те, що бачив і любив усім серцем (незважаючи на нетривале знайомство, художник встиг пристрасно і палко покохати дівчину), без прикрас і складнощів, які б тільки образили Каміллу. Картина вийшла неймовірно живою та глибокою: у ній відчувається запал і трепет молодого закоханого.

«Прогулянка. Жінка з парасолькою», 1875 рік

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Картина вважається початком циклу картин, перша та головна з яких була написана саме у 1875 році. Моделью для портрета стала перша дружина художника Камілла. Робота вважається найбільшою у творчому періоді 1870-х. На полотні зображена Камілла разом із сином на диких полях поблизу Коломба та Женів'я.

Мадам Моне стоїть напівбоком, наче раптово виявила глядача. Її сукня майорить на вітрі. Фігура злегка зміщена вправо, що компенсується нахиленим зонтом, у куполі якого відбивається яскрава лугова зелень. Трохи віддалік, видимий лише до пояса, стоїть син Моне, наче уважно дивиться на глядача.

Картина була написана з природи на пленері, швидше за все, за один сеанс. У період створення полотна у роботах художника поступово починає переважати ретельне опрацювання персонажів, що витісняють собою пейзажі.Тим не менш, великий імпресіоніст не забуває передавати глядачеві сонячне світло, що вислизає, чому картина виглядає ніби живою.

Особливою родзинкою полотна можна вважати розташування жіночого персонажа на полотні та низьку лінію горизонту, що надає картині загалом монументального вигляду – це досить незвичайна подача для французького імпресіоніста.

Серія «Стога сіна», 1890-1891 роки

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Моне вважав, що пейзаж необхідно писати, повністю зберігаючи колір, форму та настрій довкілля і «це призведе до появи особистого, наївного бачення ситуації, яку дивишся». Моне був першим серед живописців, хто вирішив перенести на полотно сільський пейзаж, головним об'єктом якого став стог сіна. На цю тему вже писали Ван Гог, Пісарро, Гоген та інші великі художники.

Але Моне зумів відзначитись, використавши в роботі два новаторські елементи: спосіб бачення світла та створення цілої серії картин. Завдяки неймовірній праці та таланту митця сьогодні ми можемо споглядати різноманіття одного й того самого мотиву залежно від часу доби та мінливого освітлення.

Створюючи цілу серію полотен із зображенням стогу сіна, Моне, за його словами, прагнув показати хід часу. Він скаржився на те, що влітку, коли він писав картини, сонце сідало так швидко, що художник не встигав за ним і щоразу шукав швидкоплинну мінливість світла.

В 1888 Моне створює кілька етюдів стогів біля Живерні. До цієї ж теми він повертається через рік, коли починається жнива (літні жнива та збирання хліба).Він уперто працює протягом кількох місяців, малюючи поля, вкриті відблисками літнього сонячного світла, яскраві червонувато-руді – восени, і щільно загорнуті снігом – взимку.

Літо року 1890-го, коли майстер був занурений у справу «Олімпії», пристрасно бажаючи викупити картину вдови Мані і передати її Лувру, видалося похмурим, з частими дощами. Тому розпочаті полотна художнику доводилося доопрацьовувати вже у майстерні, фантазуючи на тему про те, наскільки барвистим та незвичайним може бути небо. П'ятнадцять картин серії, вперше виставлені у Дюран-Руеля, мали приголомшливий успіх і розпродали, незважаючи на високу ціну.

Серія "Руанський собор", 1892-1893 роки

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Ще одна серія картин геніального імпресіоніста, лише цього разу у центрі сюжету – величний руанський готичний собор. Для створення цілого циклу полотен Моне оселився недалеко від собору і писав з самого ранку і до пізнього вечора. Художник був неймовірно захоплений грою світла на холодному камені і прагнув передати цей дивовижний контраст на полотно.

Уся увага Моне було зосереджено не в цілому будинку, а лише на окремій його частині – 2 вежах: Мартіна та Альбане. У розумінні імпресіоніста елементи собору виглядали немов портал, і на кожній картині була зображена ця сторона будівлі. Просуваючись у своїй роботі, художник поступово став наносити на полотно більший шар фарби, намагаючись наголосити на певних деталях і надати картині свого власного світла.

Найчастіше робота йшла швидко, але сам Моне скаржився на цей факт, говорячи, що цим ускладнюється завдання і йому непросто передати своє бачення на полотно.Деколи живописця мучили кошмари, в яких собор падав на нього або зрадницьки змінював свій колір.

Глядачі вперше змогли побачити шедевральні твори французького імпресіоніста лише в 1895 році, і хоча думки критиків розділилися, багато художників (іноземні в тому числі) змінили своє світосприйняття. Практично відразу ж було продано 8 картин із серії різним колекціонерам. Ті, що залишилися, незважаючи на досить високу ціну (близько 15000 франків) були придбані ще кількома поціновувачами імпресіонізму.

Серія «Гарлачі», 1896-1926 роки

Величезний цикл включає майже 250 полотен, кожне з яких було виконано в техніці олійного живопису. Деякі картини можна сміливо назвати монументальними, причому не тільки через їх вражаючий розмір, а й геніально передане сприйняття кольору. Для зручності роботи художник збудував нову майстерню зі спеціальним освітленням.

Примітно, що в процесі роботи Моне настільки захопився і був вражений результатом, що не хотів розлучатися з жодною з картин серії «Гарлачіки», створених майже на 30 років наполегливої ​​праці. У музеях та приватних колекціях ці полотна почали з'являтися лише після смерті імпресіоніста.

Моне дуже пишався тим, що зумів придбати власну садибу (вона розташовувалась у Живерні), де розбив розкішний квітник. На картинах серії зображені водяні лілії, що ростуть саме у саду самого художника. До речі, багато полотна творилися вже в той період, коли художник страждав від катаракти. Але, можливо, це допомогло йому відійти від традиційного сприйняття кольору і створити неймовірну гру фарб і світлотіні.

Полотна із серії «Гарлачі» зберігаються в багатьох музеях світу: у Парижі, Нью-Йорку, Уельсі, Орегоні та ін.Представники аукціонного будинку Крістіс називають «Гарлачиками» Моне однією з найбільш визнаних і значущих робіт 20-го століття, які вплинули на художників імпресіоністів і модерністів усього світу.

Серія "Вокзал Сен-Лазар", 1872-1877 роки

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

У 1872 році Клод Моне заявився в дирекцію Сен-Лазар, заявивши, що збирається писати цілу серію картин, і головним їх об'єктом буде саме вокзал. Художник вважав будівлю вокзалу одним із найбільш вражаючих на той час і хотів передати свої відчуття від епохи технічного прогресу, відійшовши від пейзажної тематики.

Оскільки Моне писав з натури, працівники вокзалу кинули всі сили на те, щоб Сен-Лазар став перед імпресіоністом у всій красі: територію вокзалу постійно прибирали, навіть фарбували паровози, а машиністи намагалися пускати якнайбільше пари. Розкішна панорама буквально захопила французького генія, і в результаті було написано цілих 12 картин, на яких вокзал зображувався не лише в різних ракурсах, а й у різні погоди, в різний час доби. Ця серія стала першою в роботі живописця: невдовзі «на світ» з'являться «Стога» і «Лаванки».

Серія картин «Вокзал Сен-Лазар», яка вперше з'явилася в 1877 році на виставці, мала приголомшливий успіх. Знаменитий французький письменник Еміль Золя пізніше скаже, що саме атмосфера, передана на полотнах Моне, надихнула його написання роману «Людина-звір», присвяченого французькій залізниці.

«Дами в саду», 1866 рік

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Картина вважалася дуже незвичною для глядача-сучасника.Моне хотів дати зрозуміти, що писатиме тільки так, як підказує йому натхнення та чуття, не зважаючи на академічні традиції. Французький пейзажист Гюстав Курбе, який часто відвідував Моне, був вражений не тільки задумом автора, а й масштабністю полотна. Через величезні розміри (255х205 см) воно було неймовірно громіздким: художнику доводилося опускати полотно в спеціальну яму за допомогою лебідки, коли він почав написання верхньої частини картини.

Імпресіоніст хотів максимально точно передати гру тіні та світла, опрацьовуючи для цього найдрібніші деталі сюжету. При цьому його персонажі було відведено другорядну роль. Наприклад, жінки, зображені на полотні, виглядають стилізовано, обличчя їх практично не розглянути: одна жінка стоїть наполовину, інша спиною, третя ховається за букетом кольором. Тим самим митець дає зрозуміти, що йому важливіше не окрема особистість, а взаємодія людини із зовнішнім світом.

Незважаючи на традиційність, картина воістину була новаторською: численні напівобороти, обрізані краї суконь – для академічного живописця все це було б неможливим. Картина «Дами в саду» була написана в непростий для Моне фінансовий період, тому робота йшла напружено. Саме цю картину він планував виставити у Паризькому салоні – одній із найпрестижніших французьких мистецьких виставок, проте журі роботу не пропустило. Але коли Моне став знаменитим, полотно «Дами в саду» було придбано урядом Франції за величезні гроші – 200 000 франків.

«Враження. Схід, що сходить», 1872 рік

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Коли засновник імпресіонізму писав картину, він вважав, що це його робота, яку не вдасться продати.Але саме з неї, по суті, почалося зародження нового напряму в живописі. У 1874 році творіння, поряд з роботами колег, «братів за духом» у творчості було представлено на незалежній виставці. Однак зусилля молодих обдарувань оцінили далеко не всі.

Так, журналіст Луї Леруа після відвідин виставки написав критичну статтю «Виставка імпресіоністів», в якій виставляв художників на посміховисько, фактично сказавши про те, що такі «твори» зводять живописців академічного глузду, і дав невідомим тоді молодим людям образливе прізвисько «впечатлістів» ». Звичайно, він тоді не міг припустити, що художники на знак протесту з часом приймуть це прізвисько, яке перетвориться на ім'я загальне і стане однією з найвідоміших художніх течій світу.

У картині «Враження. Східне сонце» Моне особливу увагу (втім, як завжди) приділив кольоропередачі, використавши для цього мінімум відтінків, але створивши неймовірно живий, реалістичний краєвид. Основні тони – синюваті: все полотно ніби пронизане відчуттям холодного, вогкого ранку.

Художнику вдалося дуже точно передати настрій порту: саме таким його бачили місцеві жителі - похмурим, із сонячними відблисками на воді, з небом, що перетікає в океан, де невиразно помітні силуети кораблів.

"Сніданок на траві", 1866 рік

Фото: Моне, Клод, Public domain, через Вікісклад.

Недооцінена у свій час картина з трагічною долею, що стала воістину символом своєї епохи. Робота над полотном розпочалася 1865 року під враженням від скандально відомої однойменної картини Едуарда Мане, яка мала дещо фривольне утримання. Але, крім ідентичної назви і, мабуть, лісового пейзажу, картини не мають абсолютно нічого спільного.

За виробництвом полотна криється титанічна праця, адже картина мала величезні розміри - 400х600 см. А в роботі з такою величезною основою потрібно чимало вміння, здатність відчувати і правильно формувати композицію, кольори, розподіляти персонажів та ін.

Починав художник роботу у заздалегідь підібраному місці у лісі Фонтенбло. Як моделі використав свою дружину Каміллу та друга, товариша «по цеху» Фредеріка Базіля. Насамперед Моне писав на пленері ліс, потім промальовував персонажі в майстерні, після чого знову виїжджав із моделями для написання етюдів із натури. Вже після цього у майстерні художник компонував усі елементи докупи.

На полотні зображено прохолодний літній чи весняний день. Яскраво-синє небо миготить серед густого, соковитого листя дерев. Подекуди пробиваються тонкі промені сонця. На тлі пейзажу група чоловіків і жінок відпочиває: хтось бовтає, хтось присів до їжі, інші розтягнулися на траві. Відчувається веселощі, свіжість лісу, легкість.

Спочатку Моне створював полотно «Сніданок на траві», щоб представити його на Паризькому салоні, але катастрофічно не встигав, тому практично похапцем написав «Даму в зеленій сукні», прихильно прийняту критиками. Будучи у важкому матеріальному становищі, художник залишив незакінчене полотно як заставу своєму орендодавцю і вирішив не братися за великі речі, які з'їдали всі гроші і створювали йому труднощі.

Але орендодавець зберігав шедевр недбало, і частина полотна просто згнила від тривалого перебування у сирому підвалі. Через 7 років Моне викупив полотно та розрізав на 3 частини, залишивши лише 2 (одна була повністю непридатна).Сьогодні критики вважають картину дебютом художника в новому тоді ще стилі, справжнім флагманом революції, що насувалась, у мистецтві.

«Будівля парламенту на заході сонця», 1900-1901 роки

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

У 1900 році Поль Дюран-Руель - постійний покровитель імпресіонізму з нетерпінням чекав на повернення з англійської столиця Клода Моне. Той мав привезти створені за час перебування у Лондоні види на мости через Темзу та Парламент. Роботу митець привіз, але залишився незадоволений начерками, тому через рік повернувся для доопрацювання полотен та ще через рік.

Готові лондонські цикли Дюран-Руель отримав лише до 1904 року, але очікування коштувало того: вже за тиждень полотно «Будівля парламенту на заході сонця» було продано за хороші гроші. З того часу картина побувала у багатьох приватних колекціях Гавра, Парижа, Нью-Йорка та навіть Японії. У 2015 році полотно було продано за 40 млн. доларів.

У процесі написання циклу картин Моне скаржився на непостійність Лондонської погоди: «Погода змінюється постійно через хмари і сильного вітру ... це зводить мене з розуму.». Стан природи та унікальні сонячні моменти змінюють один одного з колосальною швидкістю, але те, що Моне зміг їх передати на полотнах – безцінно. Особливу чарівність саме цій картині надає незвичайний, навіть зухвалий ефект – яскраве червоне свічення, що проривається крізь густі хмари.

"Міст Ватерлоо в похмуру погоду", 1904 рік

Ще один шедевр із лондонського циклу Моне теж довго не залежався на виставках. Наприклад, цей неймовірний вид на міст Ватерлоо придбав пристрасний любитель живопису, російський колекціонер Михайло Рябушинський. Йому було 37, коли у Російській Імперії відбулася революція.Частину колекції він сховав, частину віддав до Третьяковки на зберігання, потім емігрував до Британії. Картина ж потрапила до галереї справжніх ділок антикварного світу – Вільденштейнів. Згодом полотно змінило безліч власників – суцільно виняткових особистостей.

Клод Моне вперше приїхав до британської столиці зі своєю дружиною, щоб відвідати сина і одразу зрозумів, що повернеться ще сюди. Великий імпресіоніст був вражений колоритом міста та впевнено взявся за створення полотен із місцевими краєвидами. Він захоплювався поетичності деяких лондонських місць, але погода зводила його з розуму, багаторазово ускладнюючи робочий процес і при цьому роблячи його неймовірно захоплюючим.

Повернувшись із Лондона, Моне привіз із собою цілих 8 ящиків полотен (!) і жодного не було закінчено. Художник ще кілька років доопрацьовував картини, не дозволяючи продати жодної. Тільки коли всі полотна були завершені, вони змогли постати очам здивованого глядача, поціновувачів імпресіонізму та критики.